Kolloquium

Die Ecomusicology (Ökomusikwissenschaft) ist eines der jüngsten Beschäftigungsfelder der Musikwissenschaft. Arbeitsbereiche haben sich z.B. in der Musikethnologie (Musik im Klimaaktivismus) oder der empirischen Musiksoziologie ergeben (etwa zur Auswertung der Klimabilanz verschiedenster musikbezogenen Tätigkeiten). In dem Vortrag sollen Beispiele vorgestellt werden, wie eine „ökologische Programmatik“ einerseits explizit in aktuellen Sonifikationen und Kompositionen eingebunden wird; es soll aber auch diskutiert werden, inwiefern sich eine solche Topik im Kontext der Historischen Musikwissenschaft auch auf Beispiele aus der (europäischen) Musikgeschichte früherer Jahrhunderte übertragen lassen könnte.

Folgt.

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Die Harmonik sowjetischer Musik ist oftmals von einer Verschränkung von durmolltonalen und posttonalen Zügen geprägt. Der Vortrag zeigt, wie die Verfremdung tonaler Momente ein gemeinsames und zugleich individuell ausgeprägtes Prinzip ist, und geht dabei nicht nur auf die Violinkonzerte von Prokof‘ev und Schostakowitsch, sondern auch auf weniger bekannte Werke von Komponisten wie Dmitrij Kabalevskij und Tichon Chrennikov ein.

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For a long time, women were accorded only a subordinate role in jazz historiography. In more recent years, though, the topics of gender and women in jazz have been studied increasingly and female jazz musicians have been given more appropriate recognition. However, the focus is mostly on performers/composers and, ironically, the portrayal of their lives and artistic work is often modeled after the tale of the male “jazz hero.”

Music pedagogues, on the other hand, have rarely been a subject of detailed discussion in jazz historiography, and when they were, male teachers are at the center of it. Female music educators have received less attention and least of all black women.

In fact, black female music pedagogues – most of whom received their instrumental training at the keyboard – played a crucial role for the musical education of black community in the United States, including that of black jazz musicians. Black female music pedagogues have taught countless children and adolescents at black schools, at Historically Black Colleges and Universities (HBCUs), as well as in churches and homes, laying the groundwork for the success stories of various genres of black music, among others black classical music and jazz.

In his presentation, philipp Teriete will examine the role of black female piano pedagogues of the late nineteenth and early twentieth centuries and their influence on early jazz musicians. Moreover, he will discuss the curricula at HBCUs, since many black pedagogues and jazz musicians were strongly influenced by their academic and aesthetic principles.

Als eine der ältesten in Schrift und Bild dokumentierten Musikkulturen der Welt zeichnet sich die Musik des alten Vorderen Orients durch einen hohen Grad an Professionalisierung und Theoretisierung aus. Funde von reich verzierten Musikinstrumenten oder Keilschrifttafeln mit musiktheoretischen Inhalten sind Gegenstand intensiver, notwendigerweise interdisziplinärer Forschung.

Der Vortrag führt in den Stand und die Entwicklung der Erforschung der Musik Mesopotamiens ein und gibt einen Einblick in das junge Würzburger Projekt “Musical Instruments in Ancient Mesopotamia” (MIAM).

Initially dependent on American imports, European manufacturers soon began replicating Columbia and Edison’s designs while incorporating unique nationalistic elements. The presentation highlights the innovations of European inventors and the challenges they faced, such as legal and patent issues. It also explores how public use of the phonograph shaped the industry’s development, offering insights into the interaction between innovation, law, and cultural identity as it examines the rise of the phonograph industry in Europe at the turn of the twentieth century.

Initially dependent on American imports, European manufacturers soon began replicating Columbia and Edison’s designs while incorporating unique nationalistic elements. The presentation highlights the innovations of European inventors and the challenges they faced, such as legal and patent issues. It also explores how public use of the phonograph shaped the industry’s development, offering insights into the interaction between innovation, law, and cultural identity as it examines the rise of the phonograph industry in Europe at the turn of the twentieth century.

Ein Vortrag im Rahmen der Veranstaltungsreihe »musik + wissen« des Freiburger Forschungs- und Lehrzentrums Musik.

Interkulturelle Konzertprogramme sind seit Jahrzehnten ein fester Bestandteil der Alten Musik-Szene. Inspiriert von historischen Ereignissen, Reiseberichten oder Orten, an denen verschiedene Kulturen aufeinandertrafen beziehungsweise koexistierten, bringen sie unterschiedliche Musiker*innen und Repertoires in der Aufführung zusammen. Aber welche Konsequenzen hat es, wenn notierte und datierbare Kompositionen der europäischen Kunstmusik auf Repertoires aus der “lebendigen”, als uralt und zeitlos empfundenen mündlichen Tradition vor allem des Nahen Ostens und der Mittelmeerregion treffen?

Music theory and music psychology have not always seen eye to eye on the role of form/structure in the perception of Western classical music. Geoffrey McDonald will discuss the questions and conflicts that have surfaced in recent decades of research in structural perception, as well as point to some promising new areas of study in both the theoretical and empirical fields. His talk will outline how an interdisciplinary approach to musical analysis — one that is based on the current state of empirical knowledge — can enrich traditional theory curricula, and inform how we think about music in praxis, both as heard and as performed.

The first half of “La Martelée”, the opening movement of Yvonne Loriod’s final composition, Trois pièces pour deux pianos préparés (1951), is structured upon independent rhythmic schema in the two piano parts, respectively gendered “masculine” and “feminine”. Over time, the “feminine” piano’s rhythms increasingly yield to those of the “masculine” piano, culminating in what Loriod calls a “Fondution”—a made-up French word suggesting a “melting-together”—representing an idealised process of union between the two pianos, between man and woman, and between Messiaen and Loriod, manifested in their creative partnership over the 1950s and eventually their marriage in 1961.

In this paper, Peter Asimov retraces Loriod and Messiaen’s artistic entwinements over the 1940s and ’50s, from their compositional dialogues through her decision to cease composition in favour of a piano performance career chiefly devoted to his œuvre. Thinking with Simone de Beauvoir and Manon Garcia, he attempts to reconcile a critique of patriarchal modernism with an effort to comprehend Loriod’s own ambition to fuse with Messiaen. He concludes by extrapolating Garcia’s understanding of the “ambiguity of submission” from the Loriod-Messiaen microcosm to the broader dynamics of art music in order to better understand performers’ apparent willingness to subordinate themselves to composers.

Der Vortrag versteht sich als ein Beitrag zur Geschichte und Methodik der musikalischen Analyse mit besonderem Fokus auf der Geschichte musikalischer Subjektivität und Expressivität seit dem ausgehenden 18. Jahrhundert bis hin zum frühen 20. Jahrhundert. Obwohl in der aktuellen Musikphilosophie verschiedene Theorien musikalischer Subjektivität und Expressivität diskutiert werden, fehlt es bislang meist noch an Ansätzen, die musikphilosophische, musikhistorische und musiktheoretisch-analytische Herangehensweisen enger zusammenführen. Hier kann eine Verknüpfung diskurshistorischer Perspektiven mit jüngeren hermeneutisch orientierten Methoden in der Musikanalyse ansetzen, auch im Sinne einer ›historisch informierten‹ Analyse. Dementsprechend sollen, neben der Einbeziehung von ausgewählten Quellen zur Instrumentalmusikästhetik, Beispiele von C.P.E. Bach, Ludwig v. Beethoven, Fanny Hensel und Felix Mendelssohn Bartholdy sowie Gustav Mahler exemplarische Schlaglichter auf die Geschichte der musikalischen Subjektivität und Expressivität werfen.

In her talk, Julin Lee aims to demonstrate how soundtracks in the era of Peak TV can be productively studied through the twin lenses of “drillability” (Mittell 2015) and “spreadability” (Jenkins et al. 2013). Drawing on case studies which include HBO’s Westworld, Netflix’s Stranger Things, Disney+’s The Mandalorian, and Prime Video’s The Rings of Power, she aspires to contribute to a better understanding of contemporary television series soundtracks’ function and reception by directing analytical focus on their “sprillability” –  their dual roles as sites for the broader expansion of and deeper engagement with a series.

Als ephemeres Phänomen ist musikalische Improvisation flüchtig und nicht fixierbar, weshalb sie häufig der Komposition gegenübergestellt wurde. Die hinter diese beiden generativen Prozessen liegenden kognitiven Mechanismen sind aber durchaus vergleichbar, wie musikpsychologische Modelle nahelegen. Um musikalische Improvisation als Handlungskonzept greifbar werden zu lassen, sollen hier verschiedene Perspektiven eröffnet werden, die Erscheinungen musikalischer Improvisation, kreative Schaffensprozesse und ästhetische Zugänge thematisieren.

Der Beitrag hat einen dreifachen Zweck.

Zunächst: Die Einblicke, um die es bei Bach gehen soll, sind durch ein Vorreiterprojekt der Digital Humanities möglich geworden; so tief in Bachs Manuskripte blicken (und daraus Konsequenzen ziehen) konnte man noch nie. Umfassend verfügbar, geben sie Details des Komponierens preis, die sich nie und nimmer in einer noch so idealen Neuedition transportieren ließen. Das hat zugleich exemplarischen Charakter; ähnlich untersuchen ließen sich im Prinzip ebenso die Werkquellen unzähliger anderer Komponist:innen. Die Bach-Einblicke (gerade in ein Buchmanuskript eingegangen) können obendrein weitgehende Auswirkungen auf das Aufführen seiner Musik haben.

Der zweite: Federführend hinter dem Digital-Humanities-Projekt (Zusammenstellung und Aufbereitung der Reproduktionen, Beschaffung der Metadaten: in https://www.bach-digital.de/) steht das Bach-Archiv Leipzig. Dieses wird eine Station unserer Exkursion nach Sachsen sein. Die Teilnehmer:innen an ihr (auch die, die normalerweise nicht am Kolloquium teilnehmen) sind also wärmstens zu dem Vortrag eingeladen; dieser bietet zugleich (als Einleitung) einen Schnelleinstieg zu „Bach in Leipzig“. (Niemand braucht also mitzureisen, ohne zu wissen, was „Sache“ ist; und alle anderen könen diese Startgrundlage ebenso bekommen.)

Der dritte: In der Vorlesung zur Musik des 16.-18. Jahrhunderts steht Italien im Fokus. Damit ist in jener Zeit vieles mitberührt, das den Raum nördlich der Alpen betrifft (nicht zuletzt Wien, zeitweilig auch Paris etc.), kaum aber Bach. Deshalb wendet sich die Einladung ausdrücklich auch an alle Teilnehmenden der Vorlesung. Weil sowieso der erwähnte „Schnelleinstieg“ geboten wird, ist der Vortrag (hoffentlich) auch für Studierende im 1. Semester verdaulich.

In ihrem Dissertationsprojekt untersucht Ulrike Brinkmann kirchenmusikalische Quellen der Church of England aus jener Zeit vor dem Hintergrund ihrer liturgischen Nutzung und geht dabei auch der Frage nach, welche Funktion das Anthem im Gottesdienst hat.

Im Nachlass des Grafen Victor von Wimpffen im Archiv der Gesellschaft der Musikfreunde Wien befindet sich ein achtbändiges Album, in dem die Familie über ein gesamtes Jahrhundert hinweg handschriftliche, zumeist musikalische Einträge gesammelt hat. Begonnen wurde die Sammlung durch Maria von Wimpffen geb. Eskeles, die angeblich ein Beethoven-Autograph als Ausgangspunkt für ihre Sammlung wählte. Diese wurde in den Folgejahren offenbar mehrfach umgestaltet und erweitert. Nach ihrem Tod führten ihre Schwiegertochter Anastasia und ihr Sohn Victor das Album weiter. Schon in der ersten Hälfte des Jahrhunderts erhielt die Sammlung öffentliche Aufmerksamkeit, und es gibt Indizien dafür, dass sich neben dem engen Kreis der Familie auch weitere Personen des Wiener Musiklebens bemühten, Einfluss auf die Auswahl der aufgenommenen Komponist:innen und Musiker:innen zu nehmen oder sich selbst im Rahmen des Albums zu verewigen. Heute hingegen kann das Album als weitgehend vergessen gelten.

Der Vortrag wird zum einen die Kompilation des Albums und seine Eingebundenheit in das Wiener Musikleben des 19. Jahrhunderts aufzeigen. Zum anderen wird das Album vor dem Hintergrund von Aleida Assmanns Theorie des kulturellen Gedächtnisses betrachtet. Abschließend soll der Blick geweitet und der Zusammenhang zwischen Musikalben im Allgemeinen, Archiv und Musikgeschichtsschreibung dargelegt und diskutiert werden.

In zahlreichen Lautenbüchern des 16. Jahrhunderts sind Passagen notiert, die die Möglichkeiten des Instruments Laute zu übersteigen scheinen: z. B. sind Griffe notiert, die mehr Greiffinger erfordern als anatomisch vorhanden oder Stimmführungen, die selbst bei virtuosester Beherrschung des Instruments nicht realisierbar sind. Während moderne Praktiker bisher verständlicherweise einen Bogen um dieses Repertoire gemacht haben, konnten auch in der Musikwissenschaft lange Zeit keine überzeugenden Erklärungen für dieses Phänomen gefunden werden. Erst dank eines innovativen Neuansatzes, der musikhistorische, philologische und instrumentalpraktische Elemente miteinander verband, konnten vor Kurzem neuartige Erkenntnisse zum ‚unlautenistischen‘ Lautenrepertoire gewonnen werden. Diese zeigen: selbst das ‚unlautenistische‘ Repertoire kann gespielt werden – wenn man nur weiß wie.

2022 legten Michael Musgrave (New York) und Michael Struck (Kiel/Bordesholm) ihre historisch-kritische Edition des „Deutschen Requiems“ im Rahmen der „Neuen Ausgabe sämtlicher Werke“ von Johannes Brahms vor. In seinem anschaulichen Vortrag mit zahlreichen Ablichtungen von Handschriften und frühen Drucken berichtet Michael Struck von spannenden neuen Erkenntnissen und interessanten editorischen Problemen bei der Arbeit an dem über 640-seitigen Band und spricht auch Folgen für Aufführungen des Brahms-Requiems an.

Consonance and dissonance are foundational notions in Western music theory and harmony, with a long history of research and theorizing, stretching from ancient Greek philosophy to modern-day laboratories. A solid body of evidence demonstrates that humans’ processing advantages for consonance are encoded in the auditory system. Nevertheless, debates persist regarding the assumed universality of consonance and dissonance perception and its implications for musical traditions. In my presentation, I will critically examine various bio-psycho-musicological findings related to consonance and dissonance perception, while also exploring the potential for extending these concepts beyond the realm of auditory perception.

Nur wenige Musikhandschriften und Quellen sind uns aus der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts erhalten. Die wenigen Quellen, unter denen die Mailänder Chorbücher (Libroni) und die darin enthaltenen Motetti Missales eine herausragende Stellung einnehmen, überliefern jedoch ein außergewöhnlich expressives und eigenwilliges Repertoire. In meinem Vortrag möchte ich die darin enthaltenen Kompositionstechniken mit der Liturgie- und Frömmigkeitspraxis des späten 15. Jahrhunderts parallelisieren, um Rückschlüsse auf die Entstehungskontexte der Musik möglich zu machen.

Music is an efficient medium that has the power of conveying ideas and shaping identities, including national ones. This talk looks specifically on how music contributed to the construction of national identities in Greece and the late Ottoman Empire between 1870 and 1920, when national sentiment reached new highs. Based on a comparative approach, this lecture aims to show similarities but also differences in the emergence of narratives around music and national identity in both nations. In order to approach this complex topic, the speaker will use historical materials and data to look how the national music discourse in both nations emerged and what fundamental topics were debated. Secondly, by using case studies from the field of music school education, the presenter will show how the ideas of the national music discourse were put into practice. A selection of Ottoman and Greek school songs will show which ideological and pedagogical currents they followed, but also how school songs were used to convey national ideology to young children that in the future would shape the national collective.

Ein Vortrag im Rahmen der Veranstaltungsreihe »musik + wissen« des Freiburger Forschungs- und Lehrzentrums Musik.